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Los últimos días de un dictador

Hoy vamos a hablar de “El hundimiento”, película que relata los últimos días del Führer. Básicamente cuenta qué ocurrió en el bunker al que se vió obligado a refugiarse Hitler tras el asedio del ejército ruso en Berlín.

Ha podido recrearse la historia gracias a los documentos que escribió la secretaria personal (Tradul Junge) del dictador y fueron recogidos en el libro “Hasta el último momento: la secretaria de Hitler cuenta su vida”. La otra fuente es “El hundimiento: Hitler y el final del Tercer Reich” de Joachim Fest, del que se han obtenido los datos para dar mayor rigor histórico. Precisamente el personaje de la secretaria resulta clave en la historia y se convierte en el hilo conductor de todo lo que ocurre en pantalla.

Lo que más nos llama la atención a priori es como nos presentan a Hitler….más que un gran dictador parece un viejo enfermo de parkinson cuyos sueños de grandeza le prohiben ver lo evidente: Que la derrota del ejercito nazi y caida del tercer Reich es sólo cuestión de días. Y es que hay algunas escenas dignas de ser destacadas, como cuando el hombre que asesinó y torturó a millones de personas gira la cabeza para evitar ver la muerte de su perro. Parece que hayan deseado humanizar el personaje y presentarlo como alguien de carne y hueso, sólo así se comprende que durante toda la película haya esa sensación de claroscuros con el protagonista, ya que en un momento es una persona amable y educada con su secretaria y al siguiente dice una frase que resume todo el odio que destilaba: Sólo los mediocres sobrevivirán.

Otra cosa que llama la atención es el lugar donde ocurre la mayor parte de la acción: Un pequeñó y claustrofóbico búnker, algo que posiblemente dió más de un quebradero de cabeza al equipo de rodaje.

De los actores por supuesto destacar a Bruno Ganz, el actor suizo hace que nos creamos que tenemos de nuevo al dictador delante, ya que realiza una interpretación contenida y espectacular a la vez. Todos los tics, gestos, manias, rabia y emociones del personaje original los ha sabido trasladar al celuloide.

Resulta en definitiva imprescindible su visionado para conocer un poquito más acerca de este trocito de historia, ya que dificilmente podremos ver y sentir de manera tan real y cercana a los protagonistas de la locura nazi.

Lo + : Bruno Ganz
Lo – : Volver a revisitar esta época tan oscura

¿Hace un trago?

Era la única comedia que optaba al Oscar y la andan vendiendo y/o publicitando con la etiqueta de “independiente”. Se trata de “Entre copas”, última película de Alexander Payne.

No vamos a entrar en detalles de lo que se considera “cine independiente”, ya que nunca he entendido demasiado este concepto. ¿Se puede considerar independiente un producto de 15 millones de dolares? ¿no busca un realizador al fín y al cabo que su película tenga el mayor número de espectadores posibles? ¿realmente hay algún film independiente que no haya tratado con alguna major para producirla?A la primera pregunta podemos responder que sí, siempre que lo comparemos con las desorbitadas cantidades que estamos acostumbrados a oir. El resto las dejo para que las consulteis con la almohada.

Dejando aparte dudas filosófico-metafísicas, vamos a centrarnos en lo que nos interesa. El film en cuestión es una vuelta de tuerca más en las relaciones humanas que nos propone el director que nos presentó en su anterior trabajo a un desempleado-abandonado-despistado Jack Nicholson en “A propósito de Schmidt”. Esta nueva película nos cuenta el viaje de Miles (Paul Giamatti) y Jack (Thomas Haden Church) por varias bodegas de vinos con motivo de la boda del segundo. Pero lo que en teoría iba a ser un tranquilo y festivo viaje acaba siendo algo totalmente distinto debido a la gran diferencia entre los dos protagonistas. Uno es un pendenciero y un juerguista, mientras que el otro aún está derrumbado por el divorcio con su mujer. Uno es un experto en vinos mientras que otro es capaz de hacer una degustación con un chicle en la boca. Pero a pesar de estas diferencias ambos presentan algo en común….la no realización de sus sueños, de ver como no se cumple algo por lo que habían trabajado durante toda su vida. Jack es un actor de segunda que se verá obligado a vender casas tras su boda y Miles ve como su sueño de publicar un libro se antoja casi imposible.

Estos caracteres tan dispares dan lugar a algunas escenas y gags graciosos aunque contenidos, sin caer en la parodia o la risa fácil. El director maneja tan bién los momentos de humor como los serios o dramáticos, que también los hay, como por ejemplo la escena en la que Miles explica a Maya (Virginia Madsen) porque el Pinot es su vino favorito, sin duda una de las más relevantes de la película.

Y es que en el film todo gira en torno al mundo del vino, es casi una forma de vida para el protagonista, por lo que se convierte en el vínculo para presentarnos a los personajes y sus relaciones. Un vínculo, que en ningún momento se rompe gracias a su formidable guión, sin agujeros, algo que no es demasiado fácil de conseguir en una road movie de estas características. Presisamente su buena labor ha sido recompensada con un Oscar al mejor guión adaptado.

De esta manera, como si de un buén caldo se tratara, estamos ante una peli que ha de ser paladeada poco a poco, dejándonos un fantástico sabor de boca al final, a pesar de los tonos amargo que pueda ofrecer en ciertos momentos.

Lo + : Paul Giamatti
Lo – : Que su caracter “independiente” no enganche a algunos sectores

¡Y van dos!

Acabo de enterarme de los resultados de la gala de los Oscar. No es que me interen especialmente estos premios, ya que todos sabemos que no se tratan más que de un gran espectáculo al estilo hollywoodiwense donde la mayoría de las ocasiones se comete una gran injusticia en la entrega de sus estatuillas. Pero este año me han tocado la fibra sensible….el darle el Oscar al mejor director por segunda vez al gran Clint Eastwood por “Million Dollar Baby” hace que no critique a la academia con la misma vehemencia que años anteriores.

A este premio se le suman otros tres grandes, como es el de mejor película, mejor actriz principal (el segundo tras “Boys don’t cry” para Hillary Swank) y mejor actor de reparto (Morgan Freeman).
Parece ser que los académicos este año han impuesto la lógica y la que parecía que iba a ser la gran triunfadora de la noche (”El aviador”) con 11 nominaciones se ha ido a casa con 5 Oscar correspondientes a categorías “menores”. Toda una bofetada al señor Scorsese que ya habrá perdido la cuenta de las veces que se ha quedado con la miel en los labios.

En fín, para mí merecídisimos los cuatro premios, aunque como suele ser normal, no todo el mundo pueda estar de acuerdo, pero es innegable que Clint Eastwood es uno de los mejores realizadores (y actores) que hay en activo ahora mismo. De hecho, su película la rodó en tan sólo 37 días, algo que obliga a tener muy claras las ideas y saber qué y cómo se quiere contar.

A pesar de sus 74 años él mismo ha dicho que aún “es un niño” y le queda mucho por ofrecernos en el mundo del cine. Esperamos que así sea.

….Por cierto, no vamos a olvidarnos del triunfo de “Mar adentro” y eso que lo tenía difícil con “Los chicos del coro” y “El hundimiento”, aunque sobretodo la primera era su rival a batir. Pues nada, otro punto para los académicos de este año. A ver si el año siguiente demuestran tan buén juicio.

Belleza Oriental

Ya he hablado en otras ocasiones del cine oriental y de los aires renovados que trae a nuestras carteleras de cine. En este caso le toca el turno a una película de acción, más en concreto pertenece al género Wuxia, que aunque desconocido aquí tiene una gran tradición en China. Se trata de “La Casa de las dagas voladoras”, dirigida por Zhang Yimou y protagonizada por Zhang Ziyi (”Tigre y Dragon”).

Precisamente el mismo director (y actriz) ya se adentraban en el mismo género en su anterior film, “Hero”, aquel que nos mostraba todo un mosaico de colores engarzado en unas espectaculares escenas de lucha y nos enseñó que una una película de estas condiciones no se ve, sino que se contempla y se admira, como podemos hacer con un cuadro.
Este género en el que ambas estan inscritas, el Wuxia, es básicamente el de caballeros y espadachines, unido a la épica oriental.

Y precisamente esto (que no es poco) es lo que nos ofrece la película que nos ocupa. Su argumento es sencillo, una historia de amor surgida entre dos personas opuestas (Jin y Mei) y abocado al fracaso porque ella forma parte de un grupo llamado “La Casa de las dagas voladoras” y él es capitan del ejército que persigue al líder de este grupo para eliminarlo. Un argumento en principio ya visto una y otra vez, pero precisamente esto es lo de menos, el verdadero valor, la clave de la película está en su belleza, en ofrececernos un espectáculo visual único y contundente donde cada una de los planos han sido estudiados, coreografiados y puestos en escena con una sensibilidad como sólo sabe hacerlo el cine asiático.

Podría pensarse, por lo dicho, que esta película es algo así como un bonito envoltorio de algo vacio y hueco, pero precisamente tal es la belleza de dicho envoltorio que el continente se convierte en el contenido. Dicho esto, su argumento no deja de ser una excusa, un mero eslabón de lo que realmente hay al final de la cadena….una orgia de color y movimiento.

Cada una de sus escenas están impresas de un lirismo casi manierista, con una estética tan cuidada que poco importa realmente qué nos está contando, aquí sólo importa cómo lo cuenta. Muchas escenas relevantes podríamos destacar, pero me quedo con tres, una inicial, en la que la protagonista realiza una exótica danza, una intermedia en el que los dos amantes son perseguidos por soldados saltando de un bambú a otro y la preciosa escena final en la nieve.

Tal vez este film no esté a la altura de otros como “Tigre y Dragón”, es la primera que nos viene a la mente ya que marcó un antes y un después en la forma de ver las artes marciales, pero sin duda supera a “Hero” el anterior trabajo del director. Si aquella le daba más importancia a la épica, en ésta se le da más peso a la relación entre personajes. Si en la primera había algunas coreografías “excesivas” en esta se muestra algo más contenida. En aquella nos llamó la atención las escenas monocromáticas mientras en ésta lo hacen los geniales efectos de cámara siguiendo a las dagas y espadas surcando el aire.

De los actores destacar a la guapísima Zhang Ziyi, ya vista en muchas películas de estas características y cuya belleza está a a la altura de toda la peli en general. Sin duda, sin ella no tendría tanto sentido este film lleno de sensibilidad estética que ha de ser disfrutado en cada uno de sus fotogramas y cuya inventiva y narrativa visual ya es motivo suficiente para ser contemplado.

Lo + : Su BELLEZA (en mayúsculas)
Lo – : Su comparación con otros films similares

Niño para siempre

Se estrenó en nuestras carteleras hace unos días “Descubriendo Nunca Jamás”, película que nos cuenta el origen de la obra más célebre de J.M. Barrie, “Peter Pan”.

Básicamente relata la historia de como se concibió y fué gestando este popular relato por parte del autor. Pero no queremos ser simples, la película cuenta mucho más, encierra un universo en sí misma, ya que el espectador se sumerge en el País de Nunca Jamás. Podemos ver, sentir y comprender el significado de Peter Pan, el niño que nunca quiso crecer. Y es que este personaje no es más que el reflejo de un niño que tuvo que crecer muy rápido para evitar el dolor de la muerte de su padre. Es por todo ello que su autor hizo que Peter se mantuviera siempre niño, que viviera en un mundo donde casi todo es posible, donde un perro puede convertirse en un oso, donde se puede volar…..siempre que uno tenga la imaginación suficiente y esté convencido de ello.

Y más que ese niño, Peter Pan es un alter ego del propio autor. Se disfraza continuamente, pasa más tiempo con los niños de Sylvia (Kate Winslet) que con su propia mujer. Al fín y al cabo él mismo también necesitaba escapar de su matrimonio, ya que su mujer no comprende su actitud y que pase más tiempo en compañia de niños que en la de adultos.

La película a nivel estético está muy cuidada. Cada plano está mimado al detalle, lo que nos recuerda en algunos momentos a algunos films de Tim Burton, por ejemplo “Big Fish” y el particular y mágico mundo que nos ofrecía.
La narración se mantiene en su justa medida durante todo el metraje. Se mantiene un tempo, de manera que en ningún momento llega a hacerse lenta, pasando en muchas ocasiones del mundo real al imaginario y viceversa. Y ello o sin marear al espectador, todo lo contrario, disfruta viendo tomar forma poco a poco la fantasía que está construyendo el autor.

Los actores perfectos cada uno en su papel, destacando Johnny Depp, de hecho no creo que haya sido casualidad que se le haya elegido para dar vida a Barry. Recordemos que es el actor fetiche de Burton y pieza clave para construir el genial mundo que nos ofrece en casi todas sus películas….han ido a lo seguro y han acertado de pleno.

En definitiva, un film que aunque en apariencia pueda parecer sencillo está plagado de significados y simbología…El paso de la niñez a la edad adulta, los límites de la realidad y la imaginación, hasta que punto un adulto puede comportarse como un niño, o como un niño puede hacerlo como un adulto… No es que nos resuelva dichas dudas, pero al menos sí que ayudan a pensar y plasma esos elementos para sumergirnos en otro mundo mucho más féliz, ya que como dijo Orson Welles, “el cine es una cinta de sueños” y esta película nos demuestra que es posible soñar en una sala oscura y con los ojos abiertos.

Lo + : Johnny Depp
Lo – : Que se confunda con una película para niños

Ya están aquí…

Aterrizó en las carteleras el pásado viernes la película “White Noise”, protagonizada por Michael Keaton y que nos acerca al mundo de lo paranormal.

La peli gira en torno a los fenómenos EVP, proceso mediante el cual teóricamente los seres del más allá se ponen en contacto con nuestro mundo.
Jonathan Rivers (Michael Keaton) se interesa por esto cuando muere su mujer y alguien le dice que está recibiendo mensajes suyos. Es a partir de entonces cuando se obsesiona intentado contactar con ella. Y cuando lo consigue siempre le llegan inquietantes mensajes de gente pidiendo ayuda. A partir de aquí se desarrolla la que para mí es la peor parte de la historia, ya que el final es bastante forzado y descafeinado.

Y digo esto porque han intentado mezclar el thiller con el género de terror paranormal, tipo Poltergeist, haciendo un cóctel salpicado con algunos momentos destacados aunque el conjunto pierde bastante ya que se ahoga en dicha mezcla.

La película tarda bastante en arrancar, de hecho los primeros tres cuartos de hora se hacen un poco largos, pero a medida que el protagonista investiga los extraños hechos va cogiendo algo de tono, aunque como digo todo acaba bastante diluido en su recta final.

Y es que lo más relevante tal vez sea algún que otro sobresalto producido por el buén uso que hacen del sonido en el fenómeno EVP, aunque una vez vista se puede pensar que se le podía haber sacado más jugo si el guión (sobretodo su conclusión) no hubiera sido tan conformista

Respecto a los actores, el prota muy correcto, está lo suficientemente bién para llevar todo el peso de la producción sobre sus espaldas y hacer su papel creible.

Lo + : El uso del sonido
Lo – : Su final

Esta chica vale mucho

Clint Eastwood lo ha vuelto a hacer….sí, porque con su última película, “Million dollar baby”, y tras “Mystic river”, nos muestra otra historia de relaciones que toca nuestra fibra más sensible, haciendo aflorar nuestros sentimientos (y alguna que otra lagrimita).

Y es que parece que el bueno de Clint últimamente le ha cogido gusto al drama, que desde luego domina como pocos. Y no sólo el drama, ya nos soprendió con un un fantástico western (”Sin perdón”), que se convirtió poco después de su estreno en un clásico moderno. Nos divirtió con “Space cowboys” y su pandilla de jubilados astronautas. Nos “alegró el día” con Harry el sucio. Nos descubrió que también maneja el thriller con “Poder absoluto”. Nos hizo ver que este mundo no era tan perfecto en “Un mundo perfecto”. Nos hizo sentir el jazz con “Bird”. Y finalmente el tipo más duro del oeste nos hizo llorar con “Los puentes de Madison”….quién lo iba a decir. Muchos son los títulos que podríamos poner aquí…afortunadamente su filmografía es extensa, variada y de calidad.

Dicho todo esto, podreis pensar que no seré demasiado objetivo para hacer una crítica de su película. Y tal vez sea verdad….pero al fín y al cabo como decía Harry en “La lista negra”: Las opiniones son como los culos, todo el mundo tiene uno.

Para no andarme por las ramas…el argumento de la película gira en torno a Maggie (Hilary Swank), una principiante boxeadora que desea ser entrenada por Frankie Dunn (Clint Eastwood) a pesar de las reticencias de éste por tratarse de una mujer. Finalmente la acoge y la lleva a lo más alto….hasta que un golpe de mala suerte hace que todo se derrumbe. No quiero destripar la película, ni mucho menos, sólo diré que muchos de vosotros encontrareis un parecido razonable con una reciente película española de gran éxito, pero la verdad, éste parecido no es más que circunstancial y lo que menos importa.

Pero que no os engañe, a pesar de que parece que este sea una película de boxeo, se trata sobretodo de una película de sentimientos y relaciones. Las establecidas entre Frankie y Maggie…una relación que se acaba haciendo cada vez más estrecha. Entre Eddie (Morgan Freeman) y Frankie…este último torturado y sintiéndose culpable de que el primero perdiera el ojo en sus años de juventud. Entre Maggie y su familia, con una madre y hermanos que no la apoyan en su deseo de ser boxeadora. O entre Frankie y su hija…una hija a la que no ve desde hace años.

En definitiva, el deporte escogido es lo de menos, no es más que una mera cortina de humo para esconder lo que hay detrás, el verdadero eje sobre el que gira todo el film: sus personajes, la trama creada entre ellos y sus torturas personales. Una trama que está genialmente protagonizadas por tres actores de peso. Que podemos descubrir de Clint Eastwood y Morgan Freeman a estas alturas?? La protagonista femenina también nos demostró que controla el drama en “Boys don’t cry”, un papel que le valió el Oscar.

La película va in crescendo, tejiendo poco a poco una maraña de sentimientos entre los dos protagonistas, hasta que llegamos a sus últimos tres cuartos de hora finales de metraje, en el que se desarrolla la parte más triste y dura de la historia. Un desenlace que hace cambiar la forma de ver la vida de Frankie y que el director sabe manejar con pulso firme y sin caer en la lágrima fácil, aunque consigue que todos acabemos con un pañuelo tras los títulos de crédito.

Lo + : El trabajo de todos y cada uno de los actores
Lo – : ¿Hay algo malo?

Vuelve Amelie

Permitidme la licencia del título, no es que haya un nueva secuela con el popular personaje de Amelie Poulain, sino que vuelve Audrey Tautou en una nueva peli dirigida por el mismo director, Jean-Pierre Jeunet.

El film en cuestión es “Largo Domingo de noviazgo”…y que no os engañe este título que parece tan pasteloso. Aunque parezca una película típicamente romántica, no lo es ni mucho menos. Podríamos definirlo como un cruce entre cine bélico, drama y comedia con una gran historia de amor de fondo.

Y es que la película es eso, básicamente una profunda historia de amor, el que sienten Mathilde y Manech mutuamente desde que eran unos niños. Pero cuando a él va a la guerra y todos creen que ha muerto, la fe de Mathilde de que aún sigue vivo la lleva a investigar lo que ocurrió en la trinchera donde él fué enviado. Y es que el hilo argumental de la película es sin duda esa fe enfermiza de la protagonista. Y todo ello salpicado de una magia especial que ya pudimos degustar y disfrutar en Amelie.

Muchas similitudes son las que podemos encontrar entre ambas películas….El personaje de Mathilde bién podría ser un alter ego de Amelie, una chica que ve y siente el mundo de otra manera al resto, ambas estan construidas como una fábula fantástica con un mundo irreal (aunque no lo parezca), ambas hacen uso de la voz en off para ir narrando la historia, en las dos también encontramos ese humor tan especial, esas frases que bién podrían estar sacadas de un cuento para niños. Ambas, en definitiva, son como esas bolas de cristal con un mundo particular en su interior, un mundo genialmente construido y soportado por sus variopintos personajes.

Lo + : El laberinto visual que tenemos ante nuestros ojos
Lo – : En algunos momentos la historia se hace algo liosa por la cantidad de nombres y personajes

El emperador y sus locuras

Se estrenó hace un par de semanas la película “Alejandro Magno” y los avispados (o no tanto) que se dedican al marketing le pusieron de coletilla algo así como “La historia más grande jamás contada”. En principio me huele terriblemente mal que algo se autoproclame con esa etiqueta y aunque a priori, esa gratuidad al definirse me echó para atrás a la hora de ir a verla, al final me decidí y acudí al cine.

Tal megalomanía en su título queda reflejado también en la película tras su visionado. Y es que Oliver Stone parece que en esta peli quería hacerlo todo a lo grande…..grandes batallas, grandes diálogos muy filosóficos, personajes muy muy ambiguos, etc….resultado: el aburrimiento es también de proporciones considerables. Sin duda tal vez creyó que el personaje requería tal grandiosidad, ya que el film nos cuenta la vida, obra y milagros de Alejandro, el rey macedonio que con apenas 25 años conquistó la mayor parte del mundo conocido.

Para dar la vida a Alejandro se ha recurrido a un teñidísimo Colin Farrell, que aunque está bién en su papel, desde luego no creo que vaya a ser recordado por el mismo. Destacaría tal vez más a Anthony Hopkins o la mismísima Angelina Jolie, en un papel que parece hecho a su medida.

Lo más relevante de la película es el par de batallas que tiene, ambas bastante ampulosas, excesivas, sacadas directamente parece de “Salvar al soldado Ryan”…..hoy en día si la sangre no salpica a la pantalla parece que una batalla no esté bién resuelta (ojo, no es que esté en contra de esto, simplemente pienso que se abusa de ello). Además, el director nos quiere impresionar en algún momento (creo que sin conseguirlo) con algún truco o momento espectacular. Véase el vuelo de un aguila mientras la cámara hace un travelling general de la batalla o el duelo entre el protagonista montado a caballo y un elefante.

Y es que pese a que en principio podamos pensar que esta es una peli de batallas, el director ha preferido darle más peso a los personajes, sobretodo parece muy preocupado en que sepamos que en aquella época eran bisexuales, porque nos lo recuerda constantemente con algunos diálogos largos y tediosos. Desde luego, para mi gusto, la tijera tenía que haber trabajado más en fase de producción, ya que sus tres horas de metraje se llega en muchos (y demasiados momentos) a hacer aburrida, abordando una y otra vez la ambigua sexualidad del personaje.

Como nota curiosa, si vais a verla, fijaos cuando la cámara enfoque el texto de alguna carta que esté leyendo un personaje…está en un perfecto inglés!!

Lo + : Algún momento de la batalla
Lo – : Su excesivo metraje y su grandiosidad en general

No cojas tu móvil…

Ya comentaba en el anterior artículo que el cine oriental se estaba imponiendo con fuerza, aterrizando en la cartelera multitud de títulos y generos para regocijo de los más cinéfilos. Y precisamente del lejano oriente nos llega “Llamada perdida”, película de Terror del director Takashi Miike.

Últimanente estamos teniendo posibilidad de disfrutar de varias películas asiáticas de este género y todas bastantes sorprendentes por los recursos y la imaginación utilizada a la hora de rodarlas. Desgraciadamente, la película que nos ocupa me desilusionó…..y no es que no haga uso de esos mismos recursos, sino todo lo contrario. Tras su visionado nos queda una sensación de déjà vu, algo más que comprensible ya que bebe directamente de las fuentes de otros films de terror orientales, como por ejemplo “The Ring”.

A esto hay que unirle que no mantiene el pulso narrativo que se supone que ha de tener una película de miedo durante todo su metraje. De hecho, la primera hora inicial me parece bastante descafeinada, utilizando efectos para sobresaltar al espectador más propios del cine hollywoodiense con poco imaginación, como por ejemplo el choque de los pájaros contra una ventana.
Lo más relevante lo encontramos al final de la película, pero aun aquí encontramos ciertos elementos, como algunas sorpresas finales, que nos llevan nuevamente a otras películas ya vistas.

No obstante, encontramos algunas escenas relevantes, como por ejemplo cuando una chica que ha recibido una llamada anunciando su muerte acude a un programa para que la ayude un exorcista, cuando los responsables realmente estan interesados en explotar el morbo de su posible fallecimiento….solo hay que fijarse en el reloj contando los minutos finales de la muchacha.

Respecto a los actores, todos bastante correctos, destacando el trabajo de la protagonista Kou Shibasaki (vista en Battle Royale)


Lo + : La escena del hospital abandonado
Lo – : Que nos recuerde a otras películas